Mes: marzo 2018

Via crucis es una obra para coro mixto, solistas y órgano (también armonio o piano) de Franz Liszt y constituye una de sus últimas creaciones.

Liszt comenzó la composición de la obra en el otoño de 1878 durante su estancia en Roma y la terminó en febrero de 1879 en Budapest. La versión original es para coro con acompañamiento de órgano o armonio, pero Liszt hizo más tarde diferentes versiones, como una para piano solo y otra para piano a cuatro manos.

La última estación del Via Crucis culmina con la deposición del cuerpo sin vida de Jesucristo en el sepulcro.

La simplicidad y linealidad de las voces instrumentales contrastan con el carácter cromático y sincopado de la música que acompaña el texto latino, extraido del himno Vexilla Regis Prodeunt, cuya traducción ofrecemos más abajo.

Ave crux, spes unica

Mundi salus et gloria,

Auge piis justitiam,

Reisque dona veniam,

Ave crux!

Salve, Cruz, nuestra única esperanza.

Salvación y gloria del mundo

Aumenta la justicia sagrada

Concede perdón a los condenados.

Salve, Cruz.

«O Haupt voll Blut und Wunden» – «¡Oh, cabeza lacerada y herida!»

A lo largo de la obra de J. S. Bach, sobre todo en las Pasiones y Cantatas, podemos encontrar cientos de corales, muchas veces con armonizaciones diferentes para la misma melodía, convirtiendo sus melodías en obras conmovedoras, llenas de sentido y expresión con un ajuste total entre texto y música. En las pasiones, los corales expresarán los sentimientos del oyente ante los hechos narrados.

La melodía del coral “O Haupt voll Blut und Wunden” aparece en la Pasión según San Mateo al menos en cinco ocasiones, con variantes de letra en ocasiones, pero también con armonizaciones diferentes. La melodía parece remontarse al siglo XIV y el texto, que recogemos traducido a continuación, es de Paul Gerhardt (1607-1676), autor junto con Lutero de los más importantes himnos religiosos alemanes de la época.

Presentamos la versión para piano de Max Reger (1873-1916), que conjuga una bella imaginería pianística y sonora con la idea original de Bach, en mi opinión de un modo muy logrado.

«O Haupt voll Blut und Wunden». Claudio Carbó, piano:

Aquí está el texto original con su traducción:

En el 191 aniversario del fallecimiento del ilustre compositor Ludwig van Beethoven (1770-1827), presentamos la versión de Franz Liszt del lied perteneciente a los Geistliche Lieder titulado Vom Tode ( «Life is passing» / La mort / Della morte), escritos originalmente entre 1801 y 1802 y versionados por el pianista y compositor húngaro en 1840.

Primera edición de la obra para voz y piano (1803).

Sobre un texto de Ch. F. Gellert, Liszt escribe sobre la parte de piano el texto en alemán solo de la primera estrofa del poema, para recrear una atmósfera de honda trascendencia y profunda intensidad.

Ludwig van Beethoven murió en Viena en la tarde del 26 de marzo de 1827 en su apartamento en la «Schwarzspanierhaus». Desde diciembre de 1826, su salud se había deteriorado dramáticamente a pesar de la atención médica intensiva que recibía. De acuerdo con el informe de la autopsia de su médico Johann Wagner, murió de hidropesía como consecuencia de la cirrosis hepática.

Inmediatamente después de la muerte de Beethoven, sus amigos imprimieron y distribuyeron una tarjeta de invitación para su funeral. Cerca de 20.000 personas, casi la mitad del centro de la ciudad de Viena en ese momento, incluyendo numerosos representantes de la nobleza, llegaron a su última morada el 29 de marzo y acompañaron su ataúd a la Bendición en la Iglesia de la Trinidad. Las escuelas permanecieron cerradas. Los militares tuvieron que intervenir para garantizar un proceso ordenado. Los músicos y artistas más importantes de Viena llevaron el ataúd o lo acompañaron como portador de la antorcha, entre ellos Franz Schubert. Después de la consagración, el cadáver fue enterrado en el cementerio local Währinger, que se encuentra a varios kilómetros de la ciudad. Normalmente, el funeral se solía celebrar a puerta cerrada, como en el caso de Mozart. Pero la situación era bastante diferente con Beethoven: el poeta Franz Grillparzer había escrito una oración fúnebre, que el actor Heinrich Anschütz recitó en la entrada del cementerio ante numerosos dolientes.

Más información: http://www.aski.org/drei-begraebnisse-und-ein-todesfall-beethovens-ende-und-die-erinnerungskultur-seiner-zeit-sonderausstellung-zum-175-todestag-beethovens.html

Con motivo del C aniversario de la muerte de Claude Debussy, un 25 de marzo de 1918, presentamos una de sus más emblemáticas obras para piano: su preludio …La cathédrale engloutie (... La catedral sumergida).

La Cathédrale engloutie es un preludio para piano solo publicado en 1910 como el décimo preludio del primero de los dos volúmenes de Doce preludios para piano. Es característico de Debussy en su forma, armonía y contenido. En el caso de los dos volúmenes de preludios, coloca el título al final de la pieza, bien para permitir que el pianista pueda responder intuitivamente e individualmente a la música antes de averiguar lo que Debussy destina la música suene como, o bien para aplicar más ambigüedad a la alusión de la música. Debido a que esta pieza está basada en una leyenda, puede ser considerado música programática.

Esta obra está basada en un antiguo mito Breton en el que una catedral sumergida bajo el agua frente a la costa de la Isla de Ys, se eleva desde el mar en días despejados, cuando el agua es transparente. Los sonidos que pueden ser oídos son los de los sacerdotes que cantaban, el repicar de las campanas, y el órgano, desde el otro lado del mar. Para comenzar la obra, Debussy utiliza quintas paralelas. El primer acorde de la pieza se compone de sonoro Sol y Re (quintas partes abiertas). El uso de quintas partes rígidas y abiertas aquí aluden a la idea de las campanas que suenan a lo lejos, al otro lado del océano. Los compases de apertura, marcados pianissimo, nos introducen en la primera serie de crecientes acordes de quintas paralelas, destacando una escala pentatónica. Estos acordes traer a la mente dos cosas:

1) la escala pentatónica oriental, que Debussy escuchó durante una actuación de música gamelan javanés en la Exposición Universal de 1889 en París, y

2) música de canto medieval, similar a los «organa» en quintas paralelas de la Musica Enchiriadis, un tratado del siglo noveno en la música. La forma de la frase ascendente es quizás una representación de lenta aparición de la catedral desde el agua.

Después de la sección inicial, Debussy suavemente trae la catedral fuera del agua mediante la modulación a Si mayor, dando forma a la melodía de una forma de onda, y que incluye instrucciones importantes narrativas en el compás 16: Peu à peu sortant de la brume (Al salir de la niebla poco a poco). Esto demuestra Debussy en su mejor manifestación del impresionismo musical. Después de una sección marcada Augmentez progressivement (crescendo
poco a poco), la catedral ha surgido y el gran órgano se escucha a un nivel dinámico de fortissimo (compases 28 a 41). Esta es la parte más fuerte y más profunda de la pieza, y se describe en la partitura como Sonore sans dureté. A raíz de la gran entrada y salida del órgano, la catedral se hunde hacia abajo en el océano (compases 62-66) y el órgano se escucha una vez más, pero bajo el agua. Para lograr este efecto bajo el agua, la mayoría de los artistas utilizan un «medio pedal», por lo que los apagadores del piano están ligeramente fuera de las cuerdas, creando un sonido oscuro, apagado (compases 71 a 82).

Por último, la catedral ha desaparecido de la vista, y sólo se oyen las campanas, en un lejano pianissimo.

Más información en www.claudiocarbo.com

Cuando escuché por primera vez la obra que abajo comento, fue tal la emoción que sentí que deseé poder tocarla algún día al piano. Años más tarde incorporé en mi repertorio el movimiento inicial de la misma, la breve «Sonatina», en versión para piano solo. La grabación que presento pertenece a un concierto homenaje a un antiguo alumno del Conservatorio de Oliva que falleció jovencísimo tras varios años de lucha contra el cáncer.

Johann Sebastian Bach tenía probablemente sólo 22 años cuando compuso la cantata sacra «Gottes Zeit ist die Allerbeste Zeit» («La hora de Dios es la mejor de todas») BWV 106, también conocida como Actus Tragicus, compuesta probablemente durante el año que pasó en Mühlhausen 1707/1708 como organista de la iglesia de Divi Blasii, con motivo de un funeral.

La Sonatina con que se inicia la obra, en la que dos flautas dialogan entre sí sobre un fondo sonoro de viola da gambas y bajo continuo, viene continuada por una sucesión de arias y coros en los que se desarrolla todo el cuerpo dramático de esta obra funeraria, en la que se divisa el espíritu bachiano del sentido de la vida y la manera de expresarlo en música. La cantata se encuentra entre sus obras más importantes, siendo esta inspirada directamente por un texto bíblico que exhibe gran profundidad e intensidad. Alfred Dürr denomina la cantata «una obra genial, como si incluso los grandes maestros rara vez lo pudieran lograr… El «Actus Tragicus» pertenece a la gran literatura musical del mundo».

Este es el texto que durante toda la cantata se va desgranando en los distintos movimientos:

La hora de Dios es la mejor de todas.
En él vivimos, nos movemos y existimos
hasta que Él lo quiera.
En Él morimos a la hora justa,
cuando Él lo quiera.

¡Oh Señor! Enséñanos a tener presente
que debemos morir,
y que debemos estar preparados.

¡Ordena tu casa, pues debes morir,
y no permanecerás vivo!

Es la antigua ley:
¡Hombre, debes morir!

¡Sí, ven, Señor Jesús!

En tus manos
encomiendo mi espíritu;
Tú me has salvado,
Señor, Tú, Dios fiel.

Hoy estarás conmigo en el paraíso.

En paz y alegría me iré,
según la voluntad de Dios,
alegres mi corazón y mi mente,
suave y plácidamente.
Como Dios me lo ha prometido,
la muerte será mi sueño.

¡Gloria, alabanza, honor y adoración
a ti, Dios Padre e Hijo se tributen,
en nombre del Espíritu Santo!
Y la fuerza divina
nos haga victoriosos
por Jesucristo, amén.

(Traducción: Saúl Botero-Restrepo)

Aquí está la partitura original de Bach del inicio de esta bellísima cantata:

Mañana martes, 21 de marzo, tendré el gusto de participar en el Acto de Apertura del II Congreso Internacional de Innovación Educativa, con obras de Rodríguez Monllor, Vicent Asencio y Eduardo López-Chávarri; posteriormente presentaré la ponencia «Aplicación de las TIC en el Conservatorio de Música Profesional».

En el Congreso se tomará el tema de la relación entre la educación artística y el rendimiento académico como instrumento de lucha contra las desigualdades en la enseñanza y está organizado por el IES Dr. Lluís Simarro, con la colaboración del Ayuntamiento de Xàtiva y la Consejería de Educación, Investigación, Cultura y Deporte.

II Congrés Internacional d’Innovació Educativa

El Congreso estará presidido por el Dr. Amador Cernuda Lago, miembro de la UNESCO, director científico y profesor de psicología del Instituto Universitario de Danza Alicia Alonso, de la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, y por Vicent Mahiques Fornés, coordinador del proyecto de Innovación Educativa «Costumari Musical Intercentros «del IES Dr. Lluís Simarro.

Se pretende en este II Congreso Internacional de Innovación Educativa persistir en la conveniencia urgente de incluir y potenciar las enseñanzas artístico musicales en el sistema educativo español, como metodología necesaria para la mejora del rendimiento académico de nuestros alumnos, además de contribuir a la disminución de las desigualdades en la enseñanza.