Estrenos música

Frederic Mompou – Aniversario

El 30 de junio de 1987 fallecía el eminente compositor catalán Frederic Mompou (1893-1987), que nos legó una música única cargada de emoción e intuición, características propias de un creador tan personal y versátil, como lo demuestra el hecho de poder reconocerlo a lo largo de todo su corpus creativo. Seguimos adelante en la defensa y difusión de su magnífica obra para piano, que no deja indiferente a quien se acerca a ella. Muestra de ello es la última Canción y danza que escribiría en 1978 y que puedes escuchar aquí:

Canción y danza núm 14 ( compuesta en 1978).
La Canción está basada en “Petiteta l’han casada (Quan jo n’era petitet)”, mientras que la Danza es original del autor.

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Estreno: Alice Tully Hall, Nueva York (EEUU) – 26.3.1978 – Alicia de Larrocha, en el Homenaje a Federico Mompou.

Las Canciones y Danzas constituyen una parte extraordinariamente importante de la música de Mompou. El propio Mompou consideró que su obra se podría dividir en tres grupos, en el primero habría que considerar las piezas donde subjetivamente describe la esencia del paisaje rural catalán: Suburbios, Escenas de niños, Fiestas lejanas; En el segundo, las que se inspiran en la naturaleza (oculta y misteriosa se podría decir): Charmes, Cants Mágics, Música Callada; y en el tercero aquellas vinculadas directamente al folklore catalán: Las Canciones y Danzas.

Frederic Mompou

Frederic Mompou

El conjunto de Canciones y danzas constituye una de las obras más conocidas de Mompou. Es interesante preguntarse cuándo las compuso, porque la respuesta es sorprendente: durante toda su vida. Terminó la primera en 1921, y creó las últimas en los años setenta. El resultado es una fascinante colección de quince obras, todas escritas para piano menos la XIII (para guitarra) y XV (para órgano).

La estructura, una canción lírica y melódica seguida de una danza rápida y rítmica, tiene claros antecedentes en las Rapsodias húngaras de Liszt o la obra de Bartók. El objetivo era, como en estos compositores, armonizar temas populares, aunque de una forma muy especial. Así pues las Canciones y danzas son una recopilación de este cancionero catalán tan maltratado: El ruiseñor, El chico de la madre, La dama de Aragón, el Galope de cortesía, Cuando yo era pequeñito … Un gran ejemplo es la No . VII (1944), que une Montañas regaladas (expuesta con una gran sencillez) con El heredero Riera, y que era la preferida de Francis Poulenc.

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http://www.fredericmompou.es/

Trío para piano, oboe y fagot de Poulenc

Esta tarde tengo el gusto de poder interpretar, junto a mis amigos Edu Sala y Kiko Torres, profesores titulares de oboe y fagot, el precioso trío de F. Poulenc. Enmarcada en los cociertos organizados para la III Semana Musical del Conservatori Professional de Música “Josep Climent” d’Oliva, hemos combinado la actuación de nuestros más destacados alumnos junto a esta colaboración entre profesores del Centro.

Poulenc en los años ’20

Sobre este trío de Poulenc, destacar que está escrito en tres movimientos entre febrero y abril de 1926, y el joven compositor lo dedica a su querido amigo Manuel de Falla. Lleno de contrastes y con un pianismo muy rico, conjugado con los preciosos tintes del oboe y la bella pastosidad del fagot, se ofrece una maravilla del repertorio para esta agrupación. Será un placer participar en su interpretación y compartirla y disfrutarla entre todos los asistentes.

Si estás cerca podrás disfrutar también de obras de Berio, Corelli y un precioso programa del Coro de Enseñanzas Profesionales, interpretadas durante la segunda parte del concierto.

 

 

Estreno mundial del Concertino de Gordon Lawson

Esta tarde, a las 19:30 y en colaboración con la orquesta del Departamento de Cuerda bajo la dirección de Vicent Simó, ofreceremos el estreno mundial del Concertino for piano and string orchestra (2014) de Gordon Lawson.


La obra, escrita en tres movimientos: Lento sostenuto/ Allegro Moderato, Andante grazioso y Non troppo allegro ma scherzando, constituye una brillante obra concertante en que las texturas de la cuerda, junto al timbre y posibilidades polifónicas del piano. En ella se alcanza un bello diálogo donde se explotan variadas combinaciones sonoras y rítmicas para ofrecer una pieza de gran importancia en el repertorio actual de este género compositivo.


Destacamos también y agradecemos el encuentro del compositor Gordon Lawson con nuestros alumnos tanto en los diferentes ensayos previos como en las dos presentaciones públicas, donde se muestra la realidad musical de un compositor consagrado cuyo expresivo lenguaje y maestría compositiva son accesibles a la sensibilidad de quienes consideran la música como el idioma universal por excelencia.

Aquí tenéis una muestra de los diferentes movimientos de que consta la obra:

Primer Movimiento:


Segundo Movimiento:


Tercer Movimiento:


Conclusión de la obra:


También se escuchará la interpretación de su suite para piano “Youthful Pastimes and Pleasures” (2006), conjunto de siete piezas para piano de gran belleza, que combinan la escritura orquestal y rítmica (marcha y también tango) con el juego polifónico, lirismo, ternura y gracia. Serán las intérpretes cinco alumnas de las Enseñanzas Profesionales (Alba Cantos, María Benito, Claudia Miralles, Neus Pons e Irene Iniesta).

Programa enmarcado dentro de la III Semana Musical 2017-2018 del Conservatori Professional de Música “Josep Climent” d’Oliva.



Estreno de “5 Preludes” de Gordon Lawson

Si quieres conocer la música para piano del compositor Gordon Lawson, el lunes 4 de junio, a las 17:30h tienes la oportunidad de escuchar, en el contexto del Concierto de Fin de Curso y entre obras de García Abril y Debussy, dos de sus recientes creaciones para piano.

En primer lugar, su ciclo “Youthful Pastimes and Pleasures” (2006), interpretado por cinco alumnas de las Enseñanzas Profesionales.

Finalizará el concierto un servidor, con el estreno absoluto de su última obra para piano: 5 Preludes, donde se podrá disfrutar de un pianismo lleno de poesía, virtuosismo y elegancia. ¡Muchas gracias, maestro, por tan gran música!

No te lo pierdas: lunes 4 de junio de 2018, 17:30h, en el Auditori del Conservatori Professional de Música “Josep Climent” d’Oliva.

Inicio del ciclo:

Fragmento del Prelude 2:

Final del Prelude 4:

GORDON LAWSON was born in Lenzie, near Glasgow on December 22nd 1931. He attended the local nursery school until he was old enough to go to the Glasgow Academy. During these years he began to have his first piano lessons but did not like them! It was not until 1942, when the family were evacuated to North Wales, that he started to have lessons in the music department of Rydal School and where his love of music was nurtured. The rest of his school days were spent in N.Wales from where he won a minor scholarship in music to St.John’s College, Cambridge in 1950.

Gordon spent four years at Cambridge gaining his B.A.(later M.A.) in 1953 and Mus.B. in 1954, being the first student to be granted a starred first in composition since the new syllabus was introduced after World War II.

1954 until 1956 were spent as a gunner then 2/Lt. in the Royal Artillery, and in the autumn of 1956 he joined the staff of Ellesmere College. moving to Malvern College in 1962 and in 1966 became Director of Music at Brighton College. In 1987 he retired from full-time education to concentrate on composition, to be free to examine for the Royal Schools of Music, to look after his mother, and to spend time in his property in Orba which was built in 1973.

Gordon’s compositions are diverse. He is prolific and still writes daily. He has had much of his music published, and won a BBC Songs of Praise hymn competion in 1991. In 1996 his organ piece TUBA MIRUM won first prize in a competition sponsored by New York organists, and more recently, he won a prize with a short anthem in a competition sponsored by the Royal School of Church Music. He has written music for organ, for nearly all wind/brass instruments, sonatas, concertos, vocal music, sacred music and settings of the liturgy. In May 2017 his REQUIEM was given its first performance by the Montgo Chorale at his retiring concert having formed the chorale in 2007.

In 2002, Gordon left the UK to live permanently in Spain never imagining that this move would open up an entirely new and exciting musical world. Since then he has been the director of the English Choir, The Coral Clasica Javiense, The Deutsche Cor and the Montgo Chorale. These choral bodies consist mainly of ‘ex-pats’ – people who have come to Spain from many other parts of the world and who share a love of music with their fellows. However, Gordon has men a great number of wonderful Spanish musicians over the years – too many to mention, but in particular JOSEP GINER who commissioned a work for him to be performed in the Pedreguer International Organ Festival of 2005. The result was a concerto for organ and small orchestra. JAUME MORELL CAURIN director of Cor de la Rectoria in Rafol and for whom Gordon has written two choral pieces; MARCOS SANJUAN SANJUAN who runs a chamber string orchestra in La Canada and for whom a work is being prepared. FERNANDO PASCUAL LEON who made Gordon the ‘compositor convidat’ in last year’s chamber music festival in La Font de la Figuera and last, but not least, CLAUDIO CARBO who will premiere the Concertino for Piano and Strings tonight along with string students from the Oliva Conservatorio. To honour and cement our musical friendship, my most recent work for the piano – Five Preludes, have been dedicated to Claudio.

There is insufficient space to mention other Spaniards with whom I have had a rich association through music, but that does not mean that they are any the less important than those I have mentioned. They remain, and always will remain deeply imbedded in my heart and thoughts.

Con Gordon Lawson edit

Con Gordon Lawson y sus 5 Preludes, última obra para piano hasta la fecha.

Concert Benèfic 1.6.18

Huí, primer día de juny, alumnes destacats del Departament de Tecla del Conservatori Professional de Música”Josep Climent” d’Oliva oferiran un recital de piano a benefici del Centre d’Acollida Sant Francesc d’Assís de Palma de Gandía. Esteu tots convidats a escoltar un programa amb obres de Mozart, Schubert, Chopin, Liszt, Albéniz, Katchaturian i García Abril.

Entrades en taquilla desde les 19h, amb una aportació solidària de 5€.

Des de l’any 2014 els alumnes destacats del Departament de Tecla del Conservatori “Josep Climent” d’Oliva participen desinteressadament en la realització de diversos concerts benèfics per ajudar els més necessitats. Aquesta iniciativa, mitjançant la qual es va poder col.laborar amb el menjador social que auspiciava el recordat pare Puig (1925-2016), ens permet en aquesta ocasió poder dedicar-la en benefici del Centre d’acollida Sant Francesc d’Assís de Palma de Gandia, on dos germans franciscans desenvolupen una encomiable tasca d’ajuda als més necessitats i els quals van quedar molt agraïts per aquesta proposta.

Pel nostre Centre és un motiu de gran alegria veure la disponibilitat del nostre alumnat en oferir les seues destreses artístiques per ajudar a les persones en situacions extremes de misèria i malaltia. És per tots sabut que una de les vessants més transcendents de la música és la d’expressar els sentiments més profunds i també millors desitjos mitjançant els quals, dia a dia, puguem tots construir una societat més justa i digna.

Agraïm la seua participació, per quinta vegada, en aquest ja tradicional concert benèfic de fi de curs, on seguirem gaudint de la música en l’apassionant procés de formació en què tots participem dia a dia. També a aquelles persones que faciliten i col.laboren en la realització d’aquest concert: Ajuntament de Gandia, Gràfiques Santandreu i els pintors Karpi: autor del quadre de la portada de cartells i programa; i Heber Luís Gil, qui ha donat un quadre per ser sortejat entre els assistents al concert.

“La Bella Nefer-Ta”, de Heber L. Gil (2016)

Heber L. Gil es Premiado en el 4º Concurso “ Mutuam” de Barcelona, Premi Nacional de Pintura I Escultura Joan Bosch Boldú (2012), Diploma al mérito artístico de Gal Art, Art Nou y BCM Art Gallery, de Barcelona, en la Exposición Otoño en Buenos Aires, 2014, en el III Salón Internacional de Pintura al Agua, 2015 y X Premio de Bellas Artes Joan Bosch Boldú.

Destacan sus aportaciones en exposiciones como: BCM ART GALLERY, de Barcelona, GALERÍA ALEN KLASS, de A Coruña, GALERÍA GERALDES DA SILVA, de Oporto (Portugal), Galería GIOVANNA M. VANNI, de Livorno (Italia), Galería Sabrina Falzone, de Milano (Italia), Galería CT, de Reus, Grand Palais, de París, Art Innsbruck 2014, II Salón Internacional de Acuarela, Dibujo y Pintura al Agua, en BCM Art Gallery (Barcelona, 2014), Exposición Internacional de Otoño en Buenos Aires, 2014, Castillo de Bil Bil, Benalmádena (Art Nou, 2014), Vittel (Francia, 2014). Los temas de los cuadros suelen ser figuras femeninas, alguna pareja y paisajes de mar, predominantemente, y también, algunos abstractos y en 3D.

El estilo, al que el autor denomina heberismo, con buenas dosis de tintes imaginativos, se caracteriza por una línea y colorido audaces, con un recuerdo, por lo que se refiere a la figura femenina, a las damas del renacimiento italiano, así como a las jóvenes sofisticadas de los años 20 y 30 del siglo XX, resuelto todo ello de una manera peculiar y con ciertos tintes de surrealismo.

PROGRAMA:

F. CHOPIN: Vals op. 69 n.º 2

ABRIL COLLADO VERDÚ

F. CHOPIN: Vals op. 64 n.º 1

CLARA MARTINEZ ALBELDA

F. CHOPIN: Nocturne en mi b op. 9 n.º 2

JUAN MESTRE CARDONA

C. DEBUSSY: La fille aux cheveux de lin

CLAUDIA MESTRE CARDONA

A. GARCIA ABRIL: Preludi de Mirambell n.º 1

AARON SENDRA PERIS

A. GARCIA ABRIL: Baladilla nº 1

ALBA CANTOS PEIRÓ

W. A. MOZART: Sonata KV 309: I. Allegro con spirito

CLAUDIA MIRALLES ORTOLÀ

F. CHOPIN: Vals op.69 n.º 1

PAULA MESTRE CANET

F. SCHUBERT: Impromptu op. 90 n.º 2

LUCIA GUERRERO HERRERO

F. CHOPIN: Fantasia-Impromptu

ALBA MARTINEZ ALBELDA

F. LISZT: Consolació n.º 6

NEUS PONS ANDRÉS

W. A. MOZART: Sonata en Si b KV 333 – I. Allegro

FRANCISCO PINEDA POQUET

W. A. MOZART: Sonata en Si b KV 333 – III. Allegretto

IVAN GARCIA GARCIA

I. ALBÉNIZ: El Puerto (de la Suite Iberia)

IRENE INIESTA LLOPIS

A. KATCHATURIAN: Toccata

SENENT ORTELLS LEON

Beethoven: Sonatas op. 2

Interpretación de las Tres Sonatas op. 2

de L. van Beethoven

Palau de la Música de Valencia

Sala Rodrigo

Jueves, 12 de abril de 2018, a las 19:30h

Claudio Carbó, piano

Claudio Carbó en el Palau de la Música de Valencia.

Entradas en: https://www.palauvalencia.com/evento/claudio-carbo/

https://www.culturaltv.es/eventos/ver/otcnmzjn

L. van Beethoven: 222 años de su opus 2

El joven Beethoven dejaba Bonn en 1792 para iniciar su estancia en Viena, siendo discípulo principalmente de J. Haydn hasta enero de 1794, cuando este partiría hacia Inglaterra. Anteriormente había estado en la entonces capital mundial de la música al menos en una ocasión, donde según cuentan algunos biógrafos tuvo oportunidad de encontrarse con W. A. Mozart, quien le aceptaría como discípulo, pero tuvo que volver a su ciudad natal por la enfermedad y posterior fallecimiento de su madre en 1787. Será la llegada en la última década del XVIII a esta ciudad la que supone el asentamiento de Beethoven como joven valor de la interpretación al teclado y la composición, nexo ineludible de la transición del clasicismo al romanticismo musical, “para recibir el espíritu de Mozart de manos de Haydn”.

El joven Beethoven, retrato de Carl Traugott Riedel:

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De gran relevancia es el trabajo compositivo realizado previamente al inicio de su catálogo con número de opus, las siglas WoO que ordenan las tempranas composiciones según los eruditos, y presenta el germen de quien será uno de los genios más destacados de la creación musical. Entre las obras publicadas y diversos cuadernos de bocetos y esbozos, el piano encuentra un lugar predominante no solo en creaciones para instrumento solo sino también para diversas formaciones. Era en los años previos a la publicación de sus primeras obras cuando se afianzaba su formación, no solo bajo la tutela de J. Haydn, sino también junto a Salieri, Schenk y Albrechtsberger, además de iniciar su presentación como virtuoso pianista y cosechar sus primeros éxitos. Uno de ellos fue su concierto para piano y orquesta en Si bemol, que posteriormente se convertiría en el Concierto nº 2 op. 19, cuya composición se remonta a 1787 y fue estrenado en 1795; muestra del gran aprecio y dedicación de Beethoven a esta obra es que su génesis compositiva se extendiera durante 11 años, ya que la versión final del mismo se concluyó tras su interpretación en Praga en 1798.

Sobre la manera de tocar el pianoforte de Beethoven comentaba el abate Joseph Gelinek, pianista vienés de la época en que el joven compositor llegaba a la conocida metrópolis musical europea:“¡Nunca había oído tocar así! Fantasea sobre un tema dado por mí como yo mismo nunca vi que lo hiciera Mozart. Después interpretó piezas propias que son maravillosas y del más elevado nivel”. Esta capacidad improvisadora, práctica muy usual hasta el punto de realizarse concursos en diversos salones musicales de la nobleza vienesa, quedará depurada y siempre latente en el pianismo que desarrollará en sus 32 sonatas, de las cual nos centraremos en las tres primeras.

El magnífico tríptico para piano solo op. 2 surge de los primeros cuartetos con piano de juventud, con guiños a diferentes temas esbozados en Bonn pero con un desarrollo compositivo de alto nivel. El desarrollo formal que presenta, las aportaciones de sus maestros en Viena y sus propias intuiciones musicales conforman una nueva estética musical, donde el intérprete se consolida como artista y centro de la expresión del mensaje sonoro. En cada una de las sonatas que nos ocupan se desarrollan diversos aspectos de retórica musical y presentan claramente las caracterización de diferentes facetas de la personalidad humana: dramatismo y lirismo en la primera, humor y gracia en la segunda y un quasi concierto para piano y orquesta, adobado con altas dosis de virtuosismo, en la tercera. Beethoven adopta la construcción en cuatro movimientos de cada una de las sonatas, a modo de sinfonías para teclado, con las peculiaridades que paso a describir a continuación. El primer movimiento se construye en los tres casos siguiendo la forma de tiempo sonata, ampliada en la tercera de este opus de carácter concertante donde se alternan los tutti y solo, además de incorporar una cadencia para encauzar el final. Pero cabe destacar que en ellos se generan tres temas principales, alejándose de la costumbre establecida de presentar solo dos, uno más rítmico y otro de carácter lírico. Los segundos movimientos son de carácter lento, en forma lied y con diferentes tratamientos del material sonoro, y en el caso de la tercera sonata se alterna la modalidad de Mi mayor-mi menor además del rico juego de registros. Relevante es también el hecho de que se mantiene en la primera el Minuetto como tercer movimiento pero en las dos restantes se incorpora en su lugar la forma Scherzo, de carácter más vivo y textura orquestal, ambos con el trío en modo menor. Finalmente, los movimientos conclusivos son un Prestissimo en la primera, un rondó con la acotación Grazioso en la segunda y un Allegro assai, con cadencia incluida, en la tercera.

Las Sonatas op. 2, compuestas entre 1793 y 1795, fueron publicadas en 1796, precisamente hace 222 años. Tras el tríptico camerístico de tres Tríos para piano, violín y violoncello op. 1 con que iniciaba su catálogo oficial (aparte del de las obras sin número de opus, entre ellas la WoO 47, también una sonata en fa menor compuesta entre 1782-1783), Beethoven dedica a su maestro Haydn las tres Sonatas que conforman este bloque. Sobre este hecho se tiene constancia de la primera interpretación de ellas por el propio Beethoven, efectuada durante uno de los conciertos que se realizaban los viernes por la mañana en el palacio del príncipe Lichnowsky, por entonces su lugar de residencia como invitado permanente y a quien dedicó los tres tríos op. 1. Tras la interpretación parece que fue el mismo Haydn, presente durante el concierto, quien instara a Beethoven a que le dedicara las sonatas.

Manuscrito del inicio del último movimiento del Trío op. 1 nº3 en do menor (1793-1795):

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Contrariamente a lo que ocurre con el op. 1, cuyas tonalidades de cada uno de los tríos son Mi bemol mayor, Sol mayor y Do menor, el op. 2 se inicia en Fa menor, para continuar la segunda sonata en La mayor y finalmente la tercera en Do mayor. El compositor sigue relacionando el grupo de tres sonatas por terceras ascendentes, pero inicia el proceso con la sombría tonalidad de fa menor, que posteriormente retomará para escribir su op. 57, la célebre sonata Appassionata. Dicho título no es original de Beethoven sino que se debe a una edición de la obra en versión para cuatro manos, publicada por Cranz, editor en Hamburgo, en 1838. En esta tonalidad de fa menor, cargada de dramatismo, escribirá Beethoven también su Präludium für Klavier WoO 55, compuesto antes de 1803, además de la anterior mencionada sonata WoO 47.

Sobre los detalles de las fuentes referentes al conjunto de sonatas op. 2 no se ha podido localizar el manuscrito original, pero sí la primera edición, donde es curioso comprobar que el tríptico se destine tanto a clave como fortepiano, quizás por razones comerciales y poder ofrecer la obra para interpretarse en cualquiera de los dos instrumentos:“Trois Sonates / pour le Clavecin ou Piano-forte /composées et dediées A Mr. Joseph Haydn / Docteur en Musique / par Louis van Beethoven / Oeuvre II”.

Portada de la primera edición (Artaria, 1796):

op.  2 - Artaria, 614
Su búsqueda incesante para explotar los recursos compositivos relacionados al desarrollo de la organología del fortepiano y su paulatina amplitud de registros se aprecian ya desde sus primeros opus hasta las obras de madurez, dando muestra de la importancia de las innovaciones técnicas en sus creaciones para teclado, que dejarán una huella imborrable en las costumbres futuras. Interesante muestra de ello es el capítulo Beethoven, el hombre nuevo, de la Historia de la técnica pianística (L. Chiantore, 2001), donde se muestra la trascendencia de la figura del compositor en relación a su obra y aportaciones técnicas al instrumento.

El rico pulso armónico del estilo mozartiano junto al elaborado diseño y evolución de células y breves motivos propio de Haydn desembocan en un nuevo estilo compositivo: será Beethoven quien inicie el camino que posteriormente seguirán F. Schubert y los grandes románticos como J. Brahms y F. Liszt, cuya utilización de los leitmotivs y las formas cíclicas empujarán hacia nuevas vías de expresión musical más allá de las fronteras de las formas tradicionales. La forma se constituirá como un medio de expresión adaptado a los requerimientos expresivos del compositor, en el caso de Beethoven una figura fundamental no solo en este aspecto sino en sus aportaciones a la literatura pianística y la utilización de la técnica como medio de comunicación de la grandeza de la existencia y la transcendencia de la música como arte supremo.

Claudio Carbó

https://claudiocarbo.com/2018/04/10/beethoven-sonatas-op-2/

 

 

 

Más información en:

Ferguson, H.: La interpretación de los instrumentos de teclado. Del siglo XIV al XIX (Alianza Música, 2003).

Chiantore, L.: Beethoven al piano (Nortesur, Barcelona, 2010).

Chiantore, L.: Historia de la técnica pianística (Alianza Música, 2001, pp.159-199).

https://www.beethoven.de/sixcms/detail.php?&id=15112&template=dokseite_digitales_archiv_de&_eid=1502&_ug=zweih%C3%A4ndig&_werkid=2&_dokid=T00011818&_opus=op.%202&_mid=Werke&_seite=1-1

Ave Crux spes unica

Via crucis es una obra para coro mixto, solistas y órgano (también armonio o piano) de Franz Liszt y constituye una de sus últimas creaciones.

Liszt comenzó la composición de la obra en el otoño de 1878 durante su estancia en Roma y la terminó en febrero de 1879 en Budapest. La versión original es para coro con acompañamiento de órgano o armonio, pero Liszt hizo más tarde diferentes versiones, como una para piano solo y otra para piano a cuatro manos.


La última estación del Via Crucis culmina con la deposición del cuerpo sin vida de Jesucristo en el sepulcro.

La simplicidad y linealidad de las voces instrumentales contrastan con el carácter cromático y sincopado de la música que acompaña el texto latino, extraido del himno Vexilla Regis Prodeunt, cuya traducción ofrecemos más abajo.


Ave crux, spes unica

Mundi salus et gloria,

Auge piis justitiam,

Reisque dona veniam,

Ave crux!

Salve, Cruz, nuestra única esperanza.

Salvación y gloria del mundo

Aumenta la justicia sagrada

Concede perdón a los condenados.

Salve, Cruz.

Coral para Viernes Santo

“O Haupt voll Blut und Wunden” – “¡Oh, cabeza lacerada y herida!”

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A lo largo de la obra de J. S. Bach, sobre todo en las Pasiones y Cantatas, podemos encontrar cientos de corales, muchas veces con armonizaciones diferentes para la misma melodía, convirtiendo sus melodías en obras conmovedoras, llenas de sentido y expresión con un ajuste total entre texto y música. En las pasiones, los corales expresarán los sentimientos del oyente ante los hechos narrados.

La melodía del coral “O Haupt voll Blut und Wunden” aparece en la Pasión según San Mateo al menos en cinco ocasiones, con variantes de letra en ocasiones, pero también con armonizaciones diferentes. La melodía parece remontarse al siglo XIV y el texto, que recogemos traducido a continuación, es de Paul Gerhardt (1607-1676), autor junto con Lutero de los más importantes himnos religiosos alemanes de la época.

Presentamos la versión para piano de Max Reger (1873-1916), que conjuga una bella imaginería pianística y sonora con la idea original de Bach, en mi opinión de un modo muy logrado.

“O Haupt voll Blut und Wunden”. Claudio Carbó, piano:

Aquí está el texto original con su traducción:

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Beethoven-Liszt: Vom Tode

En el 191 aniversario del fallecimiento del ilustre compositor Ludwig van Beethoven (1770-1827), presentamos la versión de Franz Liszt del lied perteneciente a los Geistliche Lieder titulado Vom Tode ( “Life is passing” / La mort / Della morte), escritos originalmente entre 1801 y 1802 y versionados por el pianista y compositor húngaro en 1840.

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Primera edición de la obra para voz y piano (1803).

Sobre un texto de Ch. F. Gellert, Liszt escribe sobre la parte de piano el texto en alemán solo de la primera estrofa del poema, para recrear una atmósfera de honda trascendencia y profunda intensidad.

Vom Tode
Meine Lebenszeit verstreicht,
Stündlich eil ich zu dem Grabe.
Und was ists, das ich vielleicht,
Das ich noch zu leben habe?
Denk, o Mensch, an deinen Tod,
Säume nicht; denn Eins ist noth.
Sobre la muerte
Mi tiempo de vida acaba;
cada hora me apresura hacia la tumba;
¿Y qué será aquello
por lo que aún debo vivir?
¡Piensa, oh hombre, en la muerte!
No te demores, es algo necesario.
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Inicio de la versión para piano de F. Liszt (1840)

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Variación sincopada como segunda parte de la versión de Liszt.

Ludwig van Beethoven murió en Viena en la tarde del 26 de marzo de 1827 en su apartamento en la “Schwarzspanierhaus”. Desde diciembre de 1826, su salud se había deteriorado dramáticamente a pesar de la atención médica intensiva que recibía. De acuerdo con el informe de la autopsia de su médico Johann Wagner, murió de hidropesía como consecuencia de la cirrosis hepática.

Beethoven en el lecho de muerte. Litografía de Joseph Danhauser (1827).

Inmediatamente después de la muerte de Beethoven, sus amigos imprimieron y distribuyeron una tarjeta de invitación para su funeral. Cerca de 20.000 personas, casi la mitad del centro de la ciudad de Viena en ese momento, incluyendo numerosos representantes de la nobleza, llegaron a su última morada el 29 de marzo y acompañaron su ataúd a la Bendición en la Iglesia de la Trinidad. Las escuelas permanecieron cerradas. Los militares tuvieron que intervenir para garantizar un proceso ordenado. Los músicos y artistas más importantes de Viena llevaron el ataúd o lo acompañaron como portador de la antorcha, entre ellos Franz Schubert. Después de la consagración, el cadáver fue enterrado en el cementerio local Währinger, que se encuentra a varios kilómetros de la ciudad. Normalmente, el funeral se solía celebrar a puerta cerrada, como en el caso de Mozart. Pero la situación era bastante diferente con Beethoven: el poeta Franz Grillparzer había escrito una oración fúnebre, que el actor Heinrich Anschütz recitó en la entrada del cementerio ante numerosos dolientes.

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Franz Stöber, Funeral de Beethoven (Beethoven-Haus Bonn, 1827)

Más información: http://www.aski.org/drei-begraebnisse-und-ein-todesfall-beethovens-ende-und-die-erinnerungskultur-seiner-zeit-sonderausstellung-zum-175-todestag-beethovens.html

100 años sin Debussy: 1918-2018

Con motivo del C aniversario de la muerte de Claude Debussy, un 25 de marzo de 1918, presentamos una de sus más emblemáticas obras para piano: su preludio …La cathédrale engloutie (... La catedral sumergida).

La Cathédrale engloutie es un preludio para piano solo publicado en 1910 como el décimo preludio del primero de los dos volúmenes de Doce preludios para piano. Es característico de Debussy en su forma, armonía y contenido. En el caso de los dos volúmenes de preludios, coloca el título al final de la pieza, bien para permitir que el pianista pueda responder intuitivamente e individualmente a la música antes de averiguar lo que Debussy destina la música suene como, o bien para aplicar más ambigüedad a la alusión de la música. Debido a que esta pieza está basada en una leyenda, puede ser considerado música programática.

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Claudio Carbó en un recital Homenaje por el 150 aniversario del nacimiento de Debussy.

Esta obra está basada en un antiguo mito Breton en el que una catedral sumergida bajo el agua frente a la costa de la Isla de Ys, se eleva desde el mar en días despejados, cuando el agua es transparente. Los sonidos que pueden ser oídos son los de los sacerdotes que cantaban, el repicar de las campanas, y el órgano, desde el otro lado del mar. Para comenzar la obra, Debussy utiliza quintas paralelas. El primer acorde de la pieza se compone de sonoro Sol y Re (quintas partes abiertas). El uso de quintas partes rígidas y abiertas aquí aluden a la idea de las campanas que suenan a lo lejos, al otro lado del océano. Los compases de apertura, marcados pianissimo, nos introducen en la primera serie de crecientes acordes de quintas paralelas, destacando una escala pentatónica. Estos acordes traer a la mente dos cosas:

1) la escala pentatónica oriental, que Debussy escuchó durante una actuación de música gamelan javanés en la Exposición Universal de 1889 en París, y

2) música de canto medieval, similar a los “organa” en quintas paralelas de la Musica Enchiriadis, un tratado del siglo noveno en la música. La forma de la frase ascendente es quizás una representación de lenta aparición de la catedral desde el agua.

Después de la sección inicial, Debussy suavemente trae la catedral fuera del agua mediante la modulación a Si mayor, dando forma a la melodía de una forma de onda, y que incluye instrucciones importantes narrativas en el compás 16: Peu à peu sortant de la brume (Al salir de la niebla poco a poco). Esto demuestra Debussy en su mejor manifestación del impresionismo musical. Después de una sección marcada Augmentez progressivement (crescendo
poco a poco), la catedral ha surgido y el gran órgano se escucha a un nivel dinámico de fortissimo (compases 28 a 41). Esta es la parte más fuerte y más profunda de la pieza, y se describe en la partitura como Sonore sans dureté. A raíz de la gran entrada y salida del órgano, la catedral se hunde hacia abajo en el océano (compases 62-66) y el órgano se escucha una vez más, pero bajo el agua. Para lograr este efecto bajo el agua, la mayoría de los artistas utilizan un “medio pedal”, por lo que los apagadores del piano están ligeramente fuera de las cuerdas, creando un sonido oscuro, apagado (compases 71 a 82).

catedral brume

Brumas y aparición del tema grandioso en pianissimo (Manuscrito de Debussy).

Por último, la catedral ha desaparecido de la vista, y sólo se oyen las campanas, en un lejano pianissimo.

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